Del libro Neoism, Plagiarism & Praxis editado por AK PRESS, Edinburgh & San Francisco, 1995, ISBN 1 873176 33 3, contacto: Stewart Home - BM Senior, London WC1N 3XX , Reino Unido, traducción al castellano de estos textos: Yolanda Perez
- Karen Eliot
- Derribar la cultura formal
- El deseo en ruinas
- El arte de la ideologia y la ideologia del arte
- Bajo los guijarros las cloacas
- De Dada a la lucha de clases
- Del autor a la autoridad
- La colocación del artista y el fin del arte
- El Neoismo
- Las huelgas de arte
- La huelga de arte 1990 - 1993
KAREN ELIOT
Karen
Eliot es el nombre propio de una persona
que
puede ser cualquiera. El nombre
está definido, pero no la gente que lo
utiliza. Smile -Sonrisa-
es el nombre de una revista internacional
con
varias procedencias. El nombre
está definido, pero no el tipo de
revistas que lo utiliza. El propósito
de que diferentes revistas y personas
utilicen
el mismo nombre, es crear
una situación en la que nadie en
particular sea responsable, así
como examinar de manera práctica las
nociones filosóficas de
Occidente de identidad, individualidad,
originalidad, valor y verdad.
Cualquiera
puede convertirse en Karen Eliot
simplemente adoptando el nombre,
pero solamente se es Karen Eliot
durante el periodo en que se utiliza
el mismo. Karen Eliot se
materializó, más que nacer,
como un contexto abierto en el verano del
85.
Cuando alguien se convierte
en Karen Eliot, la existencia
anterior
de uno mismo consiste en
los actos que otras personas emprendieron
usando el nombre. Cuando se pasa
a ser Karen Eliot, no se tiene
familia, padres o fecha/lugar de
nacimiento. Karen
Eliot no nació, ella/él se
materializó de fuerzas sociales, se
construyó como medio para entrar al
terreno movedizo que circunscribe al
"individuo" y a la sociedad.
El
nombre de Karen Eliot se puede
asumir
estratégicamente para
una serie de acciones, intervenciones,
exposiciones, textos, etc. Cuando se
contestan
cartas provocadas por una acción/texto
en el cual se
ha utilizado el contexto, entonces tiene
sentido continuar usando el contexto, e.g.
contestando como Karen Eliot. Com
amistades personales, cuando se tiene una
historia personal además de los actos
asumidos por aquellas personas que
utilizan el
nombre de Karen Eliot, no tiene
sentido
utilizar el contexto. Si se utiliza este
en la
vida privada, existe el peligro
de que el nombre de Karen Eliot se
vea
excesivamente identificado
con individuos concretos.
FORMAL
Invitamos
a todos los trabajadores de la cultura a
dejar
sus herramientas y a suspender
su creación, distribución,
venta, exposición o debate
sobre su trabajo apartir del 1 de enero de
1990 hasta el 1 de enero de 1993.
Invitamos a todas las galerias, museos,
agencias, espacios alternativos,
publicaciones,
teatros, escuelas de arte y demás, a
suspender todas sus actividades
durante el mismo periodo.
El
arte es definido conceptualmente por una
élite que se auto-perpetua,
y está comercializado por ella como una
mercancía de consumo
internacional. Aquellos trabajadores de la
cultura que luchan contra la
sociedad predominante, se encuentran con
que
su trabajo es, bien marginado,
bien cooptado por el sistema del arte
plutocrático.
La
clase que manda utiliza el arte como una
actividad "trascendental" del mismo
modo que una vez usó la religión
para justificar la arbitrariedad
de sus enormes privilegios. El arte crea
el
espejismo de que, a través
de actividades que realmente se
desperdician,
esta civilización está
en contacto con los "más sublimes
sentimientos" que los redimen de
las acusaciones de explotación y
asesinato en masa. Aquellos que aceptan
esta lógica mantienen la plutocracia
aunque ellos estén excluídos
de tal clase económica. La idea de que
"todo es arte" es el cenit
de su cortina de humo, significando,
simplemente, que ciertos miembros de
la clase gobernante se sienten
especialmente
libres para expresar su dominación
sobre las masas.
Llamar
a alguien "artista" es negar a otro igual
el
don del sueño; de este
modo, el mito del "genio" se convierte en
una
justificación ideológica
de la desigualdad, la represión y el
hambre. Lo que el artista considera
que es su identidad son un conjunto de
actitudes prescritas; ideas preconcebidas
que han encerrado a la humanidad a lo
largo de
la historia. Son las actitudes
derivadas de estas identidades, tanto como
los
productos artísticos
derivados de la cosificación, lo que
debemos rechazar.
A
diferencia de la Huelga de Arte de Gustav
Metzger de 1977-1980, nuestra
intención no es destruir aquellas
instituciones que puedan tener
un efecto negativo en la producción
artística. Por el contrario,
pretendemos cuestionar el papel del
artista
mismo y su relación con
la dinámica del poder dentro de la
sociedad contemporánea.
2 Aquellos que no repiten los
misterios establecidos, se encuentran
con
que sus actividades e ideas las
suprimen,
tanto los medios de comunicación,
como los comisarios blandengues
de las universidades, así como sus
relaciones en la sociedad.
3 En el pasado, la vida
estaba
mediatizada por abstracciones tales
como
honradez, verdad, progreso y el mito
de un
futuro mejor. La creatividad, el
placer,
la imaginación y el deseo
son un refinamiento posterior de este
proceso. En la era post-moderna,
sirven
para la misma función que el
progreso, etc. sirvió en la
época de la modernidad
clásica (1909-1957).
4 La creatividad es un
trabajo
cosificado en provecho de una moral
correcta; el nombre de la ética del
trabajo tras su modernización. Para
los que se oponen a cualquier clase de
moralidad, la creatividad es tan
alineante
como un trabajo asalariado. Nosotros
repetimos la leyenda de los
anti-moralistas "Nunca Trabajes", y
mantenemos que este planteamiento se
adhiere al rechazo de la creatividad.
5 El placer es un método
para ubicar la experiencia en una
jerarquía de lo apetecible. Es una
abstracción que niega el momento
vivido y necesita una referencia en
cuanto
a la posibilidad de experiencias
pasadas/futuras. Debemos rechazar
todos
estos sistemas de valores.
6 La imaginación es una
abstracción que niega la
experiencia concreta. Es el mecanismo
central para la dominación de la
imagen como el agente principal de la
represión en nuestra
aparatosa sociedad.
7 El deseo es el aplazamiento
permanente de la realidad actual en
favor
de supuestas recompensas en un
supuesto
futuro.
8 Nosotros hacemos una llamada a un nihilísmo activo para la destrucción de este mundo al que nos hemos referido y de todas sus abstracciones:
No más expertos.
No más políticos
Los espectadores se van.
...¡No más abrigos!
...¡No
más casas!
ABOLICIÓN DEL PLACER
RECHAZO DE LA CREATIVIDAD
APLASTAMIENTO DE LA IMAGINACIÓN
EL DESEO EN RUINAS
EL PRESENTE ES ABSOLUTO
¡TODO AHORA!
EL ARTE DE LA IDEOLOGÍA Y LA IDEOLOGÍA DEL ARTE"El arte del negocio es el paso que sigue al arte en si. Yo comencé como un artista comercial y deseo acabar como un artista del negocio... Ser bueno en los negocios es el más fascinante tipo de arte... hacer dinero es arte y trabajar es arte y los buenos negocios son el mejor arte."
Andy Warhol
El arte de la crítica
"...el deseo de una vida auténtica sirve como ejemplo de dónde hay un futuro potencial para una ruptura radical con los valores de esta sociedad."
Kevin
H.-The Real Thing in Here and
Now,
nº2
El
deseo de autenticidad es la más
cínica de todas las necesidades
artificiales fabricadas por los
ideólogos de la burguesía. El
capitalismo ofrece el espectáculo de su
propia incapacidad y lo utiliza para
revenderse a los que "imaginan" que han
"progresado" más allá de los
valores burgueses y "vuelven" a lo
"auténtico". Desde la comida sana al
anarquismo, somos bombardeados con mil y
una
alternativa de miseria: y mientras los que
se
creen "diferentes" y "dueños de
si mismos" se enganchan desdesperadamente
a su
"propia" pseudo-marca de
"autenticidad", hay otros que reconocen el
carácter social de la humanidad,
la necesidad de una revolución
comunista y de una ruptura radical
con los valores burgueses.
La crítica del arte
"En la teoría del arte, los que eluden una simple inversión del código, se elevan a una posición de superioridad que revisa los códigos."
John Young and Terry Blake
Algunas
Alternativas Al Código En La Era Del
Hiperrealismo
Mientras aquellos que viven de la pseudo-crítica del arte eligen mostrarse por encima del compromiso con la vida, hay otros que distinguen seriamente entre el presente y su aplazamiento permanente. Estos últimos están comprometidos con la abolición del tiempo y otras abstracciones sociales; muy en particular el privilegiado "mundo" del arte. La obra de arte nunca se produce sino que se reproduce desde la cosificación de la ideología burguesa. Supuestamente, la obra de arte está por encima de las formaciones ideológicas, pero en realidad, desciende a ellas hasta la capa más baja de su producción; desde este punto, puede participar con más eficacia en la reproducción infinita de relaciones "sociales" capitalistas. En el avance de la confusa burguesía, el arte debe desaparecer obligatoriamente cuando el sistema social que apoya se derrumba. La conclusión exitosa de la revolución proletaria, coincidirá con la abolición del arte y de cualquier forma de creatividad y "auto-expresión".
La auténtica ideología
"Cuando ví a los Sex Pistols por primera vez, fue como despertar de un sueño de 14 años. O así me pareció, en realidad nunca los había visto, nunca en vivo, solamente en secuencias de televisión."
Mike
Kemp - Un Punk En Los Suburbios
No hay nada como ver un grupo pop en un club o en una sala de conciertos, y es más "real" que verlo en una pantalla de televisión. Sin embargo, bajo el capitalismo, la televisión es promocionada simultáneamente como el medio "universal" de la sociedad tecnológica y, a pesar de eso, también como algo "inferior" al mismo sistema que ha sustituido. Así es que lo que debiera haber sido representado como obsoleto, se le concede, mágicamente, un rango privilegiado debido a que es, en cierta manera, más "auténtico". Pero como sabe cualquiera que haya estado en la escena del desastre, estos acontecimientos ganan en verdadero poder toda vez que se hayan tratado por los medios de comunicación. La ideología de lo "auténtico" se utiliza para vendernos la pseudo-alternativa a lo pasado de moda; simultáneamente, refuerza las relaciones sociales burguesas presentándonos el espectáculo de la elección bajo el capital.
El arte de rechazar y el rechazo del arte
"Debemos liquidar esta cosa disparatada llamada arte para hacer posible que todo el mundo sea creativo. Es nuestra obligación convertirnos en auto-destructivos de una manera constructiva. Debemos liquidar, no sólo nuestra función como artistas, sino también el sistema del arte."
Del
Manifiesto De
La Coalición Internacional Para La
Liquidación Del Arte
Exigir la destrucción del arte en nombre de la creatividad es, simplemente, una reforma del Poder. Renunciar al arte en contra de la creatividad es tomar con una mano lo que la otra ha rechazado. Los que, genuinamente, se oponen a las relaciones sociales alineantes, no solamente romperán con el arte, sino que también reafirmarán su rechazo a la creatividad.
El arte de sufrir y el sufrimiento por el arte
"Las artes son un interés en expansión. Enriquecen la calidad de nuestras vidas. Y también nos enriquecen económicamente."
De Un Folleto
Publicado Por La Campaña Nacional Por
Las Artes
Lo que sufren los artistas "individuales" en la creación de la ideología burguesa no es nada comparado con el daño que inflingen al conjunto de la sociedad. Si los artistas sufren, no sufren lo bastante; merecen todos los horrores del infierno. Ya es hora de que estas excusas patéticas en pos de la humanidad, aprendan que el mundo no gira en torno a ellos; es bastante natural que los proletarios, que están atrapados en un combate mortal con los mecenas burgueses de la "cultura seria", tengan un interés negativo y destructivo hacia las obras de arte.
Campaña Internacional para la Abolición de la Obra y Cualquier Forma de Creatividad
"A través de la producción de una obra de arte como mercancía de consumo, el artista se ha convertido en un hombre de negocios. Para comercializar esta mercancía de consumo e incrementar su valor, el artista debe crear un halo de misterio alrededor de su obra y de si mismo. La galeria es el medio por el cual la mercancía se entrega. El museo sirve para santificar, tanto la mercancía, como al artista. El coleccionista es el especulador de las existencias. Los mecenas institucionales utilizan la mercancía para santificar y sanear su imagen. Las revistas de arte son los periódicos de la industria, los informes financieros del mundo del arte. Y la crítica cumple la función de dirigir la orquesta."
Grupo de Acción Artística Guerrilla
Hacia Un
Nuevo
Humanismo
Aquellos
de nosotros que romperémos totalmente
con cualquier forma de creatividad
entre 1990 y 1993, no estamos interesados
en
los nuevos humanismos de los
individuos que hablan como si no lo
fueran.
Durante un mínimo de tres
años, no crearemos arte, textos o
filosofias. Ya que nos interesa la
destrucción de esta sociedad,
consideramos a los humanistas, bien de
izquierdas, bien de derechas -imbéciles
en busca de reformas insignificantes- como
nuestros enemigos declarados, cuya
liquidación será necesaria antes
de que podamos disolver este mundo de
apariencias.
LAS
CLOACAS
Desde
Platón, cuando la maligna influencia de
Sócrates llegó
al pensamiento de Occidente, los
filósofos han buscado reducir al
género humano a la banalidad de la
coherencia. No es de extrañar
que más tarde, se introdujera el
concepto de subconsciente como
un principio oculto de organización.
Para
nosotros, es suficiente haber leído a
Debord para poder citar a Marx
citando a Hegel. Hemos evitado
cuidadosamente
leer a Hegel en su versión
original, y no estamos bajo espejismo
alguno
sobre la naturaleza reaccionaria
del "socialismo científico". La ciencia
social es el paternalismo
materializado.
La
idea de que la filosofía es a la
literatura lo que las payasadas
a la comedia, se ha convertido en algo
común. Solamente los elementos
más zoquetes de esta sociedad, se han
opuesto a las consecuencias de
este cliché.
El gusto, como la ley, está basado en precedentes. Ya no es posible imaginar que el futuro pueda ser diferente del pasado. ¿No le parece que esa idea podría haberla escrito cualquiera?
CLASES:
diez minutos que amenazaron
el talonario
del
periodismo
Desde
que los "hombres adultos" comenzaron a
leer a
Lautreamont, ha existido una
confusión entre arte (un modo de ver el
mundo) y política (un
modo de forzar a las masas a aceptar una
manera determinada de ver el mundo).
En 1924, el Papa Andre Breton, un
párroco de la imaginación,
asestó un golpe al movimiento
Dadá, del que nunca se recuperó,
cuando lo rebautizó como Surrealismo.
Antes de que Breton lograra matar el
sueño dadaísta con una
inyección de ideología
trotskista, varios de sus cohortes se
fueron
hacia la Santa Iglesia del
estalinismo.
Los
lazos entre el surrealismo y su hijo
bastardo,
el Situacionismo Internacional,
son de sobra conocidos para volver sobre
ellos. Todo lo que se puede añadir
es que, a través de una impresionante
dosis de subjetividad, los
situacionistas se las arreglaron para
convencerse a si mismos -y a un puñado
de estudiantes- que habían sustituido
el arte y preparado el terreno
para una revolución mundial del
proletariado, con el único
objetivo de un placer sin licencia. De
hecho,
lo que los situacionistas habían
hecho realmente, era reemplazar arte por
literatura.
Hoy
en día, hay muchos grupos, tanto
artísticos como políticos,
que han heredado parte de esta
tradición. Por ejemplo, tanto los
Neoístas
como la Lucha de Clases, harían
prácticamente cualquier acto
escandaloso para ganarse algún que otro
párrafo en la prensa.
Los neoístas representaban el montaje;
recientemente, uno de ellos
llamó la atención de un bedel en
un museo de bellas artes
de Montreal, sobre el hecho de que hubiera
arrojado un frasquito con su propia
sangre contra la pared del museo. Esperaba
que
le arrestasen, pero el director
del museo y su equipo de seguridad optó
por ignorar el incidente.
La Lucha de Clases representaba el papel
político y lo hizo mucho
mejor que los neoístas en cuanto a la
cobertura en los medios de
comunicación.
Ellos son los verdaderos herederos del
movimiento Dadá.
AUTORIDAD:
Pepsi contra
Coca-Cola
Al
principio existió una comunidad
primitiva. Acaso incluso entonces,
hubiera prácticas establecidas por la
tradición que institucionalizase
el Poder. Por supuesto, un lider siempre
ha
tenido que ser fuerte -pero esto
nunca ha sido, solamente, una cuestión
de fortaleza física-,
es más importante la agilidad mental y
el correcto alineamiento de
la personalidad. Como consecuencia,
siempre
habrá diferencia entre
la teoría y la ideología.
Mientras que las ideologías
las construyen los que ostentan el Poder,
o
los que pretenden alcanzarlo,
los teóricos crean situaciones en las
que sus disimulados ofrecimientos
al Poder están enmascarados por una
capa de pseudo-invisibilidad. Los
teóricos comienzan como autores y
acaban como autoridades.
Si
quieres una visión del futuro imaginate
el presente ampliado indefinidamente.
Para estar en armonía con la
dinámica de la "alienación"
controlada por uno mismo -tan querida por
el
"capitalismo" democrático-,
categorias como "comunicación,
participación y representación"
se confunden deliberadamente con su polo
opuesto -la vida. Por consiguiente, los
teóricos de la "liberación"
continuarán vendiendo esta
fórmula como la negación de la
"alineación" -todo el tiempo
ofreciéndonos una opción entre
la marca X (situacionismo) y la marca Y
(liberalismo).
ARTISTA
Y EL FIN DEL ARTE
"Artists´ Placement pretende servir al arte antes que proporcionar un servicio a los artistas."
Barbara Steveni
¿Influirá el Arte en la Historia?
AND, Revista
de
Arte, nº9
En
el artículo del cual hemos
extraído esta cita, Steveni explica
con detalle que APG (Artists´ Placemente
Group -Grupo de Colocación
de Artistas) nunca se creó como una
agencia para ayudar a los artistas
a encontrar empleo, o para crear nuevas
formas
de apoyo a los artistas. APG
es un medio de generar cambios a través
de los canales del arte más
que a través de los procedimientos
verbales, dentro del contexto de
la organización. Por lo tanto, APG
busca propagar el concepto de
ubicación de los artistas en la
administración del estado
y en la industria. El "artista empleado"
juega
el papel de "persona accesoria"
y lleva a cabo un apoyo libre.
Tales
objetivos son, en el mejor de los casos,
reformistas. Para aquellos que
no se adhieren a una "perspectiva
revolucionaria", la idea de ubicar
"personas
accesorias" en la administración del
estado y en la industria puede
parecer "radical", si el concepto se
suprimiese de la estructura conservadora
dentro de la cual APG intenta
incorporarlo.
Una
revisión a fondo de la teoría de
APG muestra que, en cuanto
a su actitud real, la propagación del
concepto de artistas como "personas
accesorias" es, solamente, una actividad
de
segundo orden. La prioridad de
APG es, claramente, el mantenimiento de la
creencia en el "Arte" y en el
papel del artista en una sociedad donde,
tales
misterios, cada vez más,
se ven como irrelevantes, no sólo por
la población en general,
sino también por los que apoyan el
sistema del "Arte". En realidad,
APG pide la utilización de "expertos"
(artistas) desempeñando el papel de un
no-experto (la "persona accesoria").
Así pues, la
esperanza de APG es crear para ellos (los
artistas) una parcela como profesionales
no-expertos y evitar que los trabajadores
al
uso y parados, realicen funciones
"accesorias".
APG
es un grupo con intereses profesionales
propios. Como todos los artistas,
tienen una posición en contra de los
objetivos y aspiraciones de
una clase imposible.
El
neoísmo fue un movimiento cultural
influenciado por el futurismo,
el dadaísmo, fluxus y el punk, que
surgió de la Red de Arte
Postal en los últimos años de la
década de los setenta.
La idea inicial partió de los artistas
postales David Zack y Al Ackerman,
pero el movimiento en ciernes encontró
su foco de atención
en Montreal (primavera de 1979). El grupo
de
Montreal quería escapar
de la "prisión del arte" y "cambiar el
mundo". Con este propósito en mente,
dieron a la sociedad una imagen de si
mismos
como un viaje angustioso. Sus actividades
están simbolizadas por Kiki Bonbon en
su película Flying cats -Gatos
voladores. Dos hombres, con abrigos
blancos, están de pie en lo alto de un
edificio. Con ellos hay varios gatos.
Cogen un
gato cada vez y lo arrojan al vacío.
Durante toda la
película, los protagonistas repiten la
frase "el gato no tiene opción".
Generalmente,
los neoístas utilizaban las
técnicas del video, audiosistemas
y acciones -performances. Desarrollaron el
concepto de Apartment Festivals
-Festivales de Apartamento-, como un medio
de
mostrar su trabajo. Consistía
en prolongados acontecimientos que
tenían lugar en espacios donde
vivían neoistas. El primero de estos
festivales tuvo lugar en Montreal
en septiembre de 1980. Posteriores
Apartment
Festivals se llevaron a cabo
en Baltimore (dos veces), Toronto, Nueva
York
(dos veces), Londres, Ponte
Nossa (Italia), Berlin y Montreal (dos
veces
más).
En
el verano de 1981, el centro de la
actividad
neoísta ya se había
trasladado a Baltimore (Maryland, USA) y
estaba centrado en Michael Tolson
(que trabajo bajo los nombres de Tim Ore y
tENTATIVELY a cONVENIENCE
-pROVISIONALMENTE
una vENTAJA). Tolson se describe a si
mismo
como un loco
científico/compositor/pensador
fonético/coleccionista de pensamientos,
y no como un artista. Es
más conocido por su Pee Dog/Poop
Dog Copyright Violation -Violación
de
los
Derechos de Autor de las Meadas de Perro
y de las Cagadas de Perro-que
realizó en nombre de la Church of the
SubGenius -Iglesia de los SubGenios-
en septiembre de 1983. La acción
apareció en las noticias
nacionales cuando la policia de Baltimore
le
descubrió completamente
desnudo en un tunel de ferrocarril,
golpeando
a un perro y con una audiencia
de 35 personas.
La
red neoísta celebró su primer
Campo Europeo de Entrenamiento
en Wurzburg, Alemania, en junio de 1982.
Esto
llevó a involucrarse
al artista escocés Pete Horobin, quien
organizó el 8º
Apartment Festival en Londres (1984)
y
el 1er Festival Neoísta
en Ponte Nossa, Italia (1985). Y
después de varios años de
frenética actividad, todos los miembros
del pequeño grupo
británico renunciaron al
neoísmo. El último gran
acontecimiento
neoísta fue el 64º (sic)
Apartment Festival organizado
por Graf Haufen y Stiletto en Berlin,
diciembre de 1986. Con el abandono
de los británicos y la apatía de
la mayoría de los
norteamericanos, el neoísmo parece que
se ha agotado.
En
un artículo del catálogo El
arte en la sociedad/La
sociedad en el arte (ICA, Londres
1974),
Gustav Metzger hizo un llamamiento
de tres años de huelga de artistas.
Metzger creía que si los
artistas actuaban solidariamente,
podrían destruir las instituciones
(como Cork Street) que tuvieran un efecto
negativo en la producción
artística. La huelga que propugnaba
Metzger fracasó porque
no consiguió apoyo de otros artistas.
Durante
la ley marcial en Polonia, los artistas se
negaron a exponer su trabajo
en museos estatales, dejando a la élite
gobernante sin una cultura
oficial. Los museos de bellas artes
estuvieron
vacíos durante meses.
Finalmente, algunos artistas 2mediocres se
aprovecharon de esta situación
y su trabajo se expuso. Inmediatamente,
los
intelectuales polacos organizaron
un eficaz boicot contra las
inauguraciones,
privando al arte de público
y a la burocracia de su credibilidad.
En
1985, el grupo Praxis propuso una huelga
de
arte de tres años, entre
1990 y 1993. En 1986, esta propuesta se
amplió a un "rechazo de la
creatividad" más generalizado. La idea
no era destruir el mundo del
arte, Praxis dudó de que hubiera
suficiente solidaridad entre los
artistas para llevar a cabo tal empeño.
Praxis estaba interesado en cómo ellos
y otros muchos "activistas" habían
creado identidades basadas en la supuesta
"superioridad" de su "creatividad", así
como acciones políticas para el ocio y
el trabajo de la mayoría
social. Esta creencia en la superioridad
individual se veía como
un impedimento para la crítica rigurosa
de la sociedad imperante.
Con franqueza, aquellos cuyas identidades
están basadas en "su oposición"
al mundo tal y como es, tienen un
interés solapado en mantener su
posición. Para cambiar el mundo, es
necesario abandonar los rasgos de caracter
que
ayudan a sobrevivir en la sociedad
capitalista.
1990
- 1993
Cuando
el grupo Praxis declaró su
intención de organizar una Huelga
de Arte durante tres años, de 1990 a
1993, tenían el firme
deseo de que esta proposición creara,
al menos, tantos problemas como
resolviera.
La
importancia de la Huelga de Arte no radica
en
su viabilidad, sino en las
posibilidades que despliega para
intensificar
la guerra de clases. La Huelga
de Arte plantea una serie de cuestiones;
la
más importante, es el
hecho de que la impuesta jerarquía
social de las artes puede ser
desafiada enérgica y agresivamente.
Sólo con este reto, se
avanza considerablemente en desmantelar el
grupo mental de "arte" y minar su
posición hegemónica en la
cultura contemporánea, ya que el
éxito del arte como un supuesto
"sistema superior de conocimiento"
depende, en
gran medida, de que su posición se
mantenga indiscutida.
Entre
otros puntos que tienen que ver con la
Huelga
de Arte, están los
"problemas" centrados en la cuestión de
la "identidad". Concentrando la
atención en la identidad del artista y
en las costumbres sociales y
administrativas
que un individuo tiene que aguantar antes
de
que dicha
identidad sea reconocida, los
organizadores de
la Huelga de Arte pretenden
demostrar que, en esta sociedad, existe
una
tendencia generalizada a dejarse
apartar del placer del juego y la
simulación; una tendencia que nos
lleva, por la vía de la
codificación, a la prisión de
lo "real". Por ejemplo, los juegos de
imitación para los "niños"
sirven como preparación para forzarlos
a "vivir", en su camino a
la "madurez", un papel limitado de
"niños". De modo parecido, antes
de que un individuo se convierta en
artista (o
enfermera/o, limpiador/a de
aseos, banquera/o, etc.) primero deben
simular
el papel a representar; incluso
los que intentan mantener una variedad de
identidades posibles encuentran,
con demasiada facilidad, sus divertidas
simulaciones transformadas (mediante
la mecánica del derecho, la
práctica de la medicina, convicciones
recibidas, etc.) en un papel prefijado
dentro
de la prisión de lo
"real" (a menudo, y literalmente, en el
caso
de los marcados como esquizofrénicos).
Los
organizadores de la Huelga de Arte han
explotado a propósito el hecho
de que, en esta sociedad, lo que se simula
tiende a convertirse en real.
En la esfera económica, la huelga es
una acción del día a día;
simulando esta táctica clásica
de lucha proletaria dentro del ámbito
de la cultura, podemos llamar la
atención de la muy reducida parte
vanguardista de la burguesia (y así
forzar a los académicos, intelectuales,
artistas, etc., a que demuestren de qué
lado están realmente) hacia la realidad
diaria de la lucha de clases. Actualmente,
la
lucha de clases queda más claramente
patente en el consumo de cultura
(confróntese Bourdieu) que en su
producción;
en parte, la Huelga de Arte es un intento
de
compensar este desequilibrio.
Mientras
que, tradicionalmente, las huelgas se han
visto como un medio de combatir
la explotación económica, la
Huelga de Arte tiene su principal
interés en la cuestión de la
dominación política
y cultural. Ampliando y redefiniendo el
concepto tradicional de huelga,
los organizadores de la Huelga de Arte
pretenden incrementar, tanto su valor
como arma de lucha, como el medio para
divulgar la propaganda proletaria.
Obviamente,
el valor educativo de la huelga continua
siendo el tema de principal importancia;
su
violencia ayuda a dividir las clases y
conduce
a una confrontación directa entre
antagonistas. Los profundos sentimientos
que
emergen debido a la huelga, muestran las
cualidades más nobles del proletariado.
De
modo que, tanto la Huelga General como la
Huelga de Arte deben entenderse, en
términos de psicología social,
como descripciones mentales intuitivas
más que como acciones que han sido
teorizadas racionalmente.
En
1985, cuando el grupo PRAXIS declaró su
intención de organizar
una Huelga de Arte en el periodo
comprendido
entre 1990 y 1993, resolvió
la cuestión de qué
deberían hacer los miembros del
grupo con su tiempo durante los cinco
años que precedían a
la huelga. Este periodo se ha
caracterizado
por una lucha continua contra la cultura
recibida de la sociedad imperante (y ha
sido
manifestada físicamente mediante la
adopción de identidades
múltiples tales como Karen Eliot y la
organización de eventos como el Festival
Of
Plagiarism -Festival del Plagio). Lo
que los organizadores de la Huelga de Arte
dejaron sin resolver fue cómo
debían emplear su tiempo los
miembros de PRAXIS y sus partidarios,
durante
la huelga. Así que la
huelga se ha situado en clara oposición
a la conclusión -por
cada "problema resuelto", se ha "creado",
al
menos, un "problema" nuevo.